Le blog de Kalev

C'est pas que je veuille marcher dans la rhétorique martiale de nos élus, mais je n'ai pas vraiment participé à l'effort de guerre pendant le dernier confinage (lequel intervenait pendant les deux ans de sommeil du blog, mais bon je me cherche pas d'excuses). Il est temps d'y remédier et d'apporter aux autres confinés de quoi passer le temps pour supporter cette dure épreuve. Je me suis donc décidé à partager plusieurs  courts-métrages, mais aussi des longs, dispos sur Youtube. Beaucoup d'animation dans le lot, mais susceptible de se pas ennuyer du tout les adultes.

Je commence avec un premier trio de courts-métrages découverts gamins et enfin retrouvés au cours de ces dix dernières années. Le premier, retrouvé pendant le confinement, découvert grâce à Arte au tournant du siècle, à peu près à l'époque où la même chaîne me révélait Dark Crystal, servira d'excuses auprès des Bretons qu'a pu froisser mon dernier troll, grâce à son phare et à sa musique de Yann Tiersen. Il s'agit du  Cyclope de la Mer de Philippe Jullien, court-métrage d'animation poétique et cruel  à la fois (découvert dans le même thema que la primesautier Tombeau des Lucioles, quand même).

Suit un court-métrage d'animation plus horrifique, The Sandman, qui vaudra à son réalisateur, Paul Berry, de participer à la conception de l'univers de L’Étrange Noël de Mr Jack.

Le dernier de la trilogie, découvert dans la même projo en cours d'Art plastique, l'hilarant Gisèle Kérozène, le premier court-métrage de Jan Kounen. A voir en pensant aux effets spéciaux de oufs de l'époque : derrière les sorcières qui volent sur leurs balais, il y a un cascadeur ne cesse de faire des bonds, et un réalisateur qui n'a gardé au montage que les images où il ne touche pas le sol. Deux grands malades.

Découverte bien plus récente, cet été, un court-métrage bien plus hilarant encore et impertinent : Il était une fois l'huile de Winshluss, artiste dont j'avais déjà chroniqué un chef-d’œuvre de BD iconoclaste ici.

Tant qu'à être exhaustifs dans mes trouvailles et retrouvailles, j'ai retrouvé hier la trace d'un court-métrage vu il y a quelques nnées au ciné, Goose de Morgan Simon, qui n'est pas forcément un chef-d'oeuvre mais n'en reste pas férocement drôle.

  J'avais aussi parlé sur le blaugue, à peu près à la même époque que Winshluss, de René Laloux. Partis pour partager ses courts-métrages, je viens de découvrir avec surprise sur ses trois longs-métrages sont également sur Youtube. Il faut cependant signaler que son chef-d’œuvre, La PLanète Sauvage, est interdit aux mineurs par ces crétins de Youtube, qui le jugent vraisemblablement pornographique sur des critères infantilisants jusqu'au ridicule dont les Yankees de la Silicon Valley ont le secret. Si vous n'avez pas de compte Google, ou si ça vous casse vraiment les gonades de vous connecter, je vous conseille de télécharger (tout à fait légalement) un logiciel du genre 4k video downloader pour télécharger la vidéo, la description Youtube laissant entendre que le téléchargement ne sera pas bloqué pour raisons de droits. Pas de problèmes en revanche pour Les Maîtres du temps, de toute façon un peu plus orienté public jeune, ni pour Gandahar, ni pour la plupart des courts-métrages :

Son premier, Les Dents du singe, extraordinaire œuvre d'Art Brut réalisé avec les patients de la clinique psychiatrique où travaillait Laloux, patients que nous avons les privilège de voir sur cette version longue du court-métrage (je n'avais pas droit à autant par les bonus de mon DVD de La Planète Sauvage. En revanche, il est impossible de télécharger ce court-métrage-ci, du moins dans cette version, il semblerait que a chaîne Youtube la protège). 

Ses deux premières collaborations avec Roland Topor avant le long-métrage suscité, le très grinçant Les Temps morts, d'après une nouvelle de Jacques Sternberg, qui n'est certes pas des plus appropriés à cette période morose, et ce chef-d’œuvre d'humour noir et burlesque qu'est Les Escargots.

Je conclus le cycle lalouesque sur ses deux collaborations avec Caza en dehors de Gandahar,  Comment Wang Fô fut sauvé, adaptation de Yourcenar, et La Prisonnière, dont j'ai réussi à trouver une vidéo non interdite au mineurs (la nudité est plus explicite que dans La Planète Sauvage, mais franchement, cette censure à l'américaine reste ridicule).

Un réalisateur d'anim' qui me fait fortement penser à Laloux, c'est Jean-François Laguionie dont j'avais chroniqué Louise en hiver. Si aucun de ses films postérieurs aux années 80, et donc les plus connus, ne sont dispos sur Youtube, il y a néanmoins matière.

D'abord, son premier long-métrage, celui-là même qui me fait penser à Laloux, Gwen, le livrez de sable

Et ses courts-métrage, dont la plupart son dispos sur Youtube, et que je range ici dans l'ordre chronologique de leur réalisation :

La Demoiselle et le violoncelliste

L'Arche de Noé

Une bombe par hasard

Potr' et la fille des eaux

L'Acteur

Le masque du Diable

Et son plus célèbre court-métrage, La Traversée de l'Atlantique à la rame

En passant, en faisant ma recherche Youtube pour retrouver les Laguionie, je suis retombé sur Les Trois inventeurs de Michel Ocelot, qui à l'époque où je l'ai vu m'a semblé le meilleur court-métrage d'un DVD sur lequel j'avais été un peu sévère ici (il est probable que je le serais moins maintenant). Je vous laisse chercher vous-même les autres courts-métrages, je ne les ai plus en tête.

Comme la poésie et la grâce, ça va un moment, revenons à l'humour noir et à quelque chose de plus viscéral qui prouve que le cinéma expérimental peut-être un coup de poing émotionnel, avec J'ai vomi dans mes cornflakes de Pierrick Servais (oui, je sais, le titre fait peut, c'est là tout le sens de la dérision du cinéaste), retrouvons l'humour noir dans l' animation avec Ruka (La Main) du tchèque Jiri Trnka, retrouvons-y un humour noir plus soft et moins oppressant (sur une belle musique de New Order) avec More de Mark Osborne, et enfin, puisque j'ai mentionné ces grandes références essèfe que sont Laloux et Caza, finissons notre voyage en dérivant sans honte vers le cinéma bis, mais alors vraiment bis. Je vais cette fois partager une chaîne Youtube que je connais depuis le précédent confinement, mais dont  je n'ai presque rien vu : sur One night in the drive-in, chaine dédiée aux films rares du cinéma bis, dispos avec sous-titres français, je n'ai vu pendant le dernier confinage sur charmant nanard 50's The Monster of Piedras Biancas (découvert en cherchant, d'après mes souvenirs de môme, un des courts-métrages ci-dessus...saurez-vous deviner lequel ?). Je ne sais pas ce que valent les autres films, lesquels sont susceptibles d'être des navets ennuyeux, des nanards très drôles, de bonnes séries B...Je m'avoue surtout intrigué par le film yougoslave The Atomic Bride, et par Equinox  dont le résumé laisse penser à un intéressant précurseur d'Evil Dead de Sam Raimi. Peut-être les découvrirez-vous avant moi. 

Bon visionnage !

ADDENDUM :

Je n'avais pas fait le tour de ma filmothèque youtubesque. J'ai notamment oublié, pour ce que je peux me rappeler pour l'instant, une découverte faites pendant le dernier confinement grâce à une amie avec qui j'avais visité une expo d'une forme d'Art très ancrée dans la politique culturelle nordiste et dont j'avais déjà parlé, l'Art Brut. Dans cette expo d'Art Brut et d'Art Naïf, sur la fondation Paul Duhem, qui a eu lieu au musée de l'Hospice Comtesse, à Lille, se trouvait le tapissier Jacques Trovic, et mon amie m'a donc fait découvrir un documentaire sur l'artiste, sur une improbable émission d'Art Brut de la télé public, depuis arrêté semble-t'il, dont j'ignorais l'existence, et j'ai découvert que le documentariste, Jean-Michel Zazzi, avait abondamment filmé ces Arts populaires et marginaux et mis en ligne énormément de choses sur sa chaîne Youtube dont voici le lien. Sur cette chaîne, vous trouverez surtout des vidéos sur la culture en milieu scolaire, sujet auquel j'ai du mal à m'intéresser, mais qui vous plaira peut-être bien plus qu'à moi. En attendant, les documentaires relatif à l'Art Brut que j'ai pu dénicher sur la chaîne, et dont les formats varient de la vidéo de trois minutes au moyen-métrage d'une heure  :

Jacques Trovic

Jacques Trovic- Rushes et entretien

Raymond Reynaud, la force en dedans

Francis Marshall

Les "Guignols Solex" de Monsieur Gens

Paul Amar à la Fabuloserie

Les girouettes de la Fabuloserie

Raymond Moralès

EDIT :

Le Manège de Petit Pierre

(cette dernière œuvre extraordinaire a donné lieu à une vidéo qui lui rend encore plus justice, où en outre on voit l'artiste dont je pense qu'il ne doit plus être en vie, par un autre vidéaste, Emmanuel Clot, il y a une quarantaine d'années : c'est ici).

Exposition hors champs (tant qu'à en rajouter sur le musée de la Fabuloserie, dans l'Yonne)

L'oeuvre de l'abbé Lecoutre

Il est évident que j'en ai oublié des tonnes dans mes investigations, je vous laisse fouiller, et pas seulement sur la chaîne de Jean-Michel Zazzi (EDIT 1 : cf Emmanuele Clot sur Petit Pierre)

EDIT 2 : en revanche, je retire ce que j'avais écrit sur les vidéos de Raymond Moralès, premier exemple d'artiste brut dont j'avais constaté le succès sur Youtube. En réalité, cet artiste, victime de son esthétique morbide qui en fait le cliché de l'artiste "fou"au sens le plus dégueulassement sensationnaliste du terme (Bruno Montpied, dont j'ai donné plus haut le lien de ma chro de son Éloge des jardins anarchiques, personnage très attaché à la gaîté populaire de l'Art Brut, de l'Art Naïf et-il-s'en-fout-des-étiquettes-et-nous-aussi, a déjà exprimé sur son blog  Le poignard subtil ses problèmes avec la mode du "pathos" dans la promotion de l'Art Brut, encore parlait-il sans doute d'un versant plutôt "institutionnel" que, euh, "beauf"), le jardin de l'artiste n'attire  pas des "documentaristes" comme je l'ai affirmé naïvement, mais des touristes exhibant leur trophée sur Youtube. Si la vidéo que j'avais archivé sur mon disque dur pendant le précédent confinement, et qui semble disparu depuis, avait le mérite de ne durer que deux minutes et d'être accompagné d'une musique gaie et entraînante qui déjouait le pathos, ce qu'on peut éventuellement voir comme une marque de respect, il en va tout autrement de celle que j'ai essayé de regarder il y a quelques minutes, plus d'un quart d'heures de promenade touristique mal filmée accompagnée d'une abominable musique horrifico-hollywoodienne entre Tubular Bells et Hans Zimmer (que j'ai coupé dans l'espoir de regarder la vidéo avant de percuter connement ce que j'étais en train de regarder). Bref, rien ne vous interdit de chercher de genre de niaiseries par vous-même, mais il est hors de question que je les cautionne et que j'en fasse la promotion.     

Puisque on a abordé, avec l'Art Brut, un domaine où l'adulte assume sa part d'enfance (dixit Bricolage de Paradis, l'adaptation d’Éloge des jardins anarchiques, meilleur documentaire sur l'Art Brut ever, mais que je déséspère de voir sur Youtube), il est temps que je revienne sur la fixette absurde qui a dirigé le présent article : vouloir à tout prix viser les adultes, même dans l'animation. Je peux bien faire du familial, tant que je ne fais pas dans la niaiserie...même si je vais encore puiser dans mes propre souvenirs d'enfance, avec une belle adaptation franco-russe d'un conte d'Afanassiev, montré par le prof d'Art plastique ci-devant évoqué : Le Bateau volant. Je préviens : le son est exécrable, je pense que plus personne ne trouvera cette rareté des 90's avec un son correct.

Je clos là le premier addendum, car je ne doute pas qu'il y en aura d'autres, même si j'ai l'impression d'avoir bien fait mes fonds de tiroir numérique. S vous n'avez pas accès à la page Facebook du blog, revenez directement jeter un œil sur celui-ci de temps en temps. 

ADDENDUM 2 :

Comment ai-je pu oublier  cette fable politique dont l'humour noir résonne toujours aussi bien aujourd'hui L'Empreinte de Jacques Cardon ? (Je donne le lien de seule version que j'ai trouvé avec une image correcte, même si la colorisation me semble étrange).

Et quitte à parler des dessinateurs / animateurs iconoclastes des années 70, il est temps que je prenne sur la pudeur ridicule (et après ça donne des leçons aux GAFA) qui me retenait de signaler que les quatre longs-métrages du grand Picha sont en ligne, et vous savez désormais comment contourner l'interdiction aux mineurs (PAR CONTRE, CELLE-CI EST JUSTIFIEE !) sans compte Google.

Je ne peux conseiller en connaissance de cause que l'hilarant délire érotico-loufoque Tarzoon, la honte de la jungle mais je poste bien sûr les trois suivants, que vous verrez peut-être aussi avant moi :

Le Chaînon manquant

Le Big Bang

Blanche-Neige, la suite

Oserais-je vous asséner une forme de péplum à grand spectacle des années soixante-dix ? Au moins celui qui va suivre vous occupera trois heures, six pour les plus fous d'entre nous (et puis ça sera plus familial que Picha). Il s'agit du Message, fresque filmique sur Mahomet et la naissance de l'Islam, réalisé dans les années 70 par le réalisateur américain d'origine syrienne Mustapha Akkad, pour faire connaître la culture musulmane aux spectateurs occidentaux. La façon dont le film a été tournée, qui pourra sembler navrante à beaucoup, est en tout cas curieuse : le film existe en deux version, l'une "internationale" avec des acteurs anglo-saxons (dont Anthony Quinn) que vous trouverez en version française, et l'autre en version "arabe", avec des acteurs issus des pays arabes, ici en VOSTFR. Devant ce choix absolument draconien, je pense que pour beaucoup de gens qui fréquentent ce blog, et comme dit le mème viral du moment, "je crois la question elle est vite répondue non ?". Mais je poste quand même les deux versions par acquis de conscience, surtout que je dois confesser n'avoir vu que la première, la seconde n'était pas encore en ligne à l'époque.

ADDENDUM 3 :

De plus en plus impardonnable : oublier un court -métrage que j'avais déjà posté sur le blog dans mon article sur l'art du réalisateur  Fursy Teyssier. Il s'agit du grâcieux et mélancolique Tir Nan Og,d'une ambiance pas si éloigné de Laguionie, finalement.

Tant qu'on est revenu dans l'animation, une curiosité : La Faim de Peter Foldes, considéré comme le premier court-métrage en animation numérique, à cent lieu, tant du point de vue esthétique que du fond politique, des bouses qui prolifèrent aujourd'hui dans ce genre d'anim'.  

Bon chic, mauvais genre is back ! J'avais bêtement manqué la dernière soirée BCMG consacrée au cinéma français, la théma "France de l'étrange" en 2013, je me suis donc empressé  d'assister à cette soirée "pyschose du terroir", où les orgas de BCMG ont laissé carte blanche au tout niveau mag Distorsion, avec deux films qui, devinez quoi, sont très différents l'un de l'autre. L'occasion de découvrir le vrai cinéma français, et de clouer le bec à ceux qui cédent à la mode de dénigrer le cinéma français dans son ensemble (comme si le cinéma était affaire de nation) en n'en connaissant que les références mainstream.   

Le premier, c'est Les Chiens d'Alain Jessua, au générique duquel les sci fistes reconnaîtront le nom d'André Ruellan, et si le film n'est pas du tout essèfe, il y a un peu de l'esprit de la science-fiction française de l'époque, la fameuse science-fiction politique des années 70 (le film date de 1979). Un médecin joué par Victor Lanoux (tout aussi excellent dans le film que Gérard Depardieu, comme quoi ces acteurs sont sous-exploités par notre triste cinéma hexagonal), débarque dans une ville où il constate que de nombreuses personnes sont mordues par des chiens. Et pour cause, les habitants sombrent dans une paranoïa sécuritaire qui les pousse à se munir de molosses. Car c'est bien de cela et de rien d'autre que parle le film : de paranoïa sécuritaire. le moins qu'on puisse dire est que le métrage va droit au but, ne s'égare pas en chemin dans des digressions ou prétentions arty : c'est carré, brut, avec une mise en scène séche voir austère, et ça dégage en définitive une impresisond e froideur, à laquelle sied merveilleusement le cadre d'une modernité glaciale de Marne-la-Vallée. C'est bien entendu foutrement inquiétant, bien que ça ne tombe pas dans le pessimisme nihiliste : la résistance est là, à travers la belle image libertaire des jeunes loulous dont les rites de passages consistent à défier les chiens.

  Si c'est sec, il n'empêche qu'on compte d'impressionants morceaux de bravoures dans le film : la séance de domptage qui vire au rite fétichiste, le discours du candidat politique anti-sécuritaire couvert par les aboiement chiens, un flash-back en musique que je ne dévoilerai pas, ou encore un climax final que je dévoilerai bien sûr encore moins mais s'avére aussi percutant que lourd de symbolique. En définitive, ont tient un film coup-de-poing, qui reste d'une brûlante actualité plus de 35 ans plus tard. Salutaire, même, surtout que, le contexte aidant, son message risque d'être oublié de nos concitoyens dans les mois et années qui vont suivre.

  Avec le film franco-belge Alleluïa de Fabrice du Welz, on change complétement de registre et on quitte la fable politique austère et glaçante pour l'onirisme et la poésie noires, avec une variation sur le célèbre fait divers des tueurs de la lune de miel, couple dont l'homme épouse de riches veuves pour les assassiner. Ici, les tueurs, rebaptisé Michel et Gloria, voit leur histoire, qui a marqué les années 50-60, transposée dans l'époque contemporaine, bien que le cadre reste assez atemporel et donne au film l'aspect de la fable, célébrant les noces du vieux couple que sont le fait divers et le légendaire urbain et donnant une dimension mythique à cette magnifique et cruelle histoire d'amour et de mort.

  La grande force de ce film, c'est sa mise en scène, Non pas que ce soit creux ou intintéressant narrativement, bien au contraire (voir plus haut), mais la mise en scène exubérante fait toute la beauté folle du film. Certains plans sont magnifiques, comme la scène du premier rendez-vous, au moment où on ne voit que la moitié du visage des deux amants. La bande sonore est étonnante. Tout ceci n'a rien d'un onanisme artistique, mais débouche sur de la pure beauté cinématographique qui sert merveilleusement la force de l'histoire. De plus, le film dérape fréquemment vers l'onirisme, ce qui ne peut que me plaire. La scène de cauchemar psychotique est, à cet égard, terrifiante, d'autres scènes sont stupéfiante de poésie comme la scène de danse autour du feu. Histoire de donner une idée du délire du film, on compte même une authentique (et sublime) scène de comédie musicale ! Sans parler de la prestation renversante de Laurent Lucas, qui incarne un Michel fasinant, à la fois charmeur et malsain. Bref, un OVNI de toute beauté, qui disparaîtra très vite des écrans selon une injustice très commune, mais mérite absolument d'être vu si vous en avez l'occasion.

Mazette, ça faisait une éternité que je n'avais pas chroniqué une soirée Bon chic, mauvais genre. Je crois bien que ça fait exactement un an.

J'ai pourtant eu deux autres occasion d'assister à la fameuse soirée double programme lilloise (même si je n'ai plus jamais été aussi assidu que durant la saison 2011-2012, dont je n'avais manqué qu'une séance) mais j'avais eu la flemme d'en faire une chronique. Certes, la dernière soirée à laquelle j'avais assisté, en janvier, ne comptait que des chef-d'oeuvre, mais Twin Peaks de Lynch et L'Antre de la folie de Carpenter n'ont pas besoin d'enièmes chroniques. La chose aurait presque été plus pertinente avec la soirée nanar du mois  précédent, si je m'étais trouvé à l'aise avec la chronique de nanars. Il est temps que je me bouge un peu.

Donc, ce mois-ci, la soirée BCMG était dédiée à deux films n'ayant absolument rien à voir entre eux, sauf de venir de la perfide Albion.

  Le premier, c'est Les Diables de Ken Russell (1971) qu'il ne me sera pas facile de chroniquer, mais la claque qu'il a représenté le mérite.

  Le film adapte un roman d'Aldous Huxley, lui-même tiré d'un faitr divers du XVIIème siècle, lorsque le cardinal de Richelieu instrumentalise une affaire de sorcellerie pour faire tomber l'evêque de Loudun.

  Cette fresque historique aurait déjà tout pour être flamboyante avec une mise en scène plus conventionnelle. C'est que l'histoire a du souffle: Grandier, evêque de Loudun, chantre de la tolérance entre protestants et catholiques, a l'inconvenient de subjuguer les femmes, de sorte que le phénomène d'hystérie collective qui se déclare dans un couvent est l'occasion idéale pour l'accuser de sorcellerie, malgré le fait que parallèlement, il vit une histoire d'amour pur, même si tout aussi condamnable pour un ecclésiastique. Une ode à la liberté contre le fanatisme appuyé par le progrès de l'Etat, un thème qui me parle particulièrement dés lors qu'il est question de chasse aux sorcière, comme ce blog s'en été fait l'écho ici ou là.

  On aurait donc déjà un film qui aurait du souffle avc une mise en scène plus conventionnelle. Mais pour notre plus grand bonheur, celle-ci ne l'est pas du tout. On tient l'archétype de l'esthétisque baroque et du grotesque dans le meilleur sens du terme, une esthétique délirante qui part dans tous les sens, mais de façon tout à fait maîtrisé, jusque dans le jeu des acteurs qui n'en font jamais trop, même dans l'hystérie. Le réalisme historique passe à la trappe dans ce somptueux délire, le XXème siècle s'invite occasionnellement dans le XVIIème, mais toujours de façon discrète -on est pas dans un Astérix non plus- par exemple dans l'hallucinate vision des archives royales. Certaines inventions sont presque surréalistes comme les seringues pour ôter le démon.

  Le film est une expérience à vivre, mais hélas mes lecteurs (et les autres) ont peu de chance de voir le même que moi, celui-ci ayant été censuré, la scène d'amour avec le Christ notamment est introuvable.

  Avec Le 6ème continent de Kevin Connor, on change carrément d'ambiance pour glisser vers un spectacle un peu plus nanardesque.

  Je vais avoir du mal à ête objectif sur le film : quand on en vient à avoir les larmes aux yeux parce qu'on va revoir un trésor de notre enfance  et que l'occasion est rarissime (le film n'a jmais été édité en DVD en français, pas plus que Centre terre, septième continent, autre adaptation d'Edgar Rice Burroughs par le ùême réal et autre trésor de ma propre enfance) ben c'est pas facile, d'être objectif.

  Le scénario de ce film de 1975, présenté par les orgas de BCMG comme  l'un des derniers représentants du cinéma de quartier avant l'arrivée des blockbusters, est simplissime : durant la Première Guerre Mondiale, les naufragés d'un paquebot s'emparent  du sous-marin allemand qui les a a coulé et se perdent avec lui dans un monde perdu peuplé de dinosaures et d'hommes préhistoriques.

  Aussi objectivement que j'essaye d'être, j'aurais du mal à dire si le film est vraiment un nanar. La mise en scène est plutôt bonne, on est pas dans un truc mal fichu et ultra-fauché à la Ed Wood. Durant le film, je me suis davantage supris à rire de certaines lignes de dialogues, de la naïveté et du côté un peu réac', notamment le peu d'égard vaguement colonialiste avec lequel est traité le personnage de sauvage de service (pour cela, le film a l'excuse d'être adapté du père de Tarzan) que des effets spéciaux et des décors de carton-pâte, qui sont certes la première chose qui prête à rire, mais qui dégage un charme aussi délicieux que suranné. Un dessert léger et agréable après le plat très copieux que constitue le grandiose Les Diables. 

  Au royaume des bonnes surprises cinématographiques que j'ai eu la chance de me voir asséner dans la tronche, Un Conte de Noël d'Arnaud Desplechin est à marquer d'une pierre blanche, car la surprise fut à la hauteur de mes craintes et, il faut le dire de mes préjugés.

  Bien qu'intrigué par la présentation de l'Hybride qui comparait ce drame familial à une tragédie grecque, je me disais "bon, encore un film d'auteur français". Et un film avec, je cite, "la fine fleur du cinéma d'auteur français", ça me botte moyen, ce en quoi, n'en déplaise à mon âme de gauchiste cynique, mon infâme sujétion à l'Anti-France me donnait tort, aidé en cela par une ignorance teintée de mauvaise foi, car c'est un prodigieux vivier d'acteur qui est rassemblé là, et Catherine Deneuve, Melvil Poupaud, Emanuelle Devos, Chiara Maostroianni et j'en passe et des meilleurs sont des valeurs bien plus sûres que Lindon ou Kimberlain, pour citer quelques ectoplasmes qui hantent le cinéma d'auteur rive gauche.

  Il m'a bien fallu l'avouer  : je ne savais même pas que ça pouvait être ça, un film d'auteur français.

 Résumer le film ne va pas être une chose facile, car aucun résumé ne peut rendre justice à l'intrigue très dense du film. Pour faire basique en usant du concept barbare de "pitch", celui du film raconte les réglement de compte d'une famille bourgeoise du Nord de la France à l'occasion d'un Noël où il se trouvent enfin tous réunis, dans des circonstances particulières puisqu'il est question en cette période joyeuse de choisir un donneur de moëlle osseuse pour la matriarche gravement malade.

  Encore ?! me direz-vous.

  Mais c'est qu'Arnaud Desplechin a un art particulier de transfigurer un sujet vu mille fois, pas seulement par le motif original de la greffe, loin de là, mais en explorant deux direction opposée, la profondeur psychologique, qui dresse dans ce film une carte des sentiments humains finalement peu explorée dans la masse du cinéma étiquetté "drame psychologique", et à l'opposé donc, l'humour noir, un humour noir très particulier et flirtant plus souvent qu'à son tour avec l'absurde, et qui offre des scènes parmi les plus splendides du film (celle du "pile ou face"), et arrache volontiers des rires, mais un peu jaune, les rire, quand même. Cet humour permet également de prendre à contrepied certaines conventions du cinéma d'auteur français, notamment les dialogues et monologues dont le côté peu verbeux est désamorçé par le côté vrai/faussement désinvolte du film -et ces dialogues/monologues ont en outre leur utilité, j'y reviendrais. 

  Les personnages sont à la démesure des acteurs qui les incarnent. Mon préféré est sans doute le "méchant" de l'histoire, Henri, un enfant conçu uniquement et en vain pour sauver son défunt frère d'une greffe de moëlle osseuse, depuis haï apr sa mère et par sa soeur qui a épongé ses dettes à condition qu'il soit banni de la famille, et qui le rend bien: un personnage haut en couleur, que sa dépression et son alcoolisme n'empêche pas de rester charismatique, d'un humour ravageur -noir, certes- bien entendu cynique et d'une adorable hypocrisie.

  La soeur, justement, Elizabeth devenu chef de la nouvelle famille sans y trouver la paix, en charge d'un fils adolescent, Paul Dédalus, qui deveint schizophrène et est également un peu méprisé par la petite famille -l'ironie étant que ce jeune homme et Henri sont les seuls donneurs compatibles.

  Ivan, le dernier de la fratrie, se prend d'affection par Paul car il a connu une adolescence presque aussi pénible avant de se métamorphoser en père de famille épanoui et heureux -hélas pour lui, la complétude tiens à un fil facile à perdre -pour spoiler un peu, il ya aura un peu vaudeville là-dedans, ou plutôt d'anti-vaudeville qui confére une véritable poésie de la cruauté à un motif beaucoup, beaucoup trop souvent réduit à un graveleux d'une grande vacuité.

  Evidemment, puisqu'il faut se faire l'avocat du Diable du film d'auteur franchouillard, il est obligatoire de parler de la mise en scène. Ce fut ma plus grosse surprise, celle-ci est non seulement très professionnelle, mais riches en trouvailles parfois surprenantes, comme la lettre d'Henri lue non par une voix off mais par l'acteur lui même assis devant un fond neutre, avec une obsession très bunuelienne pour les moindres détails de son visage ; sans compter toutes ces scènes étranges où les personnages parlent seuls à seuls avec le public, et contribue à enrober le film d'onirisme et à lui donner le statut de fable mythique qu'il revendique pleinement, jusque dans ladite lettre d'Henri -"des allures de tragédie grecque", effectivement -et c'est là l'utilité des passages "verbeux", à laquelle je faisais allusion.    

  Bref, c'est savoureux, je vous recommande.  

Grâce à un cinéma d'art et essai que j'ai déjà évoqué (l'Hybride, pour ne pas le nommer) j'ai pu enfin faire mon baptême de ce type de spectacle très à la mode depuis quelques années, la projection-concert sur cinéma muet. Bon, en fait, c'était le deuxième événement du genre auquel j'assistais, mais le premier, déjà à l'Hybride, était une création muette contemporaine, en outre inséparable de sa bande-son live, un poétique montage des péripéties à deux à l'heure de la marionnette Tantôt

  Cette fois, il s'agissait d'un film-concert dans la plus pure tradition du genre, avec, excusez du peu, du Friedrich Wilhelm Murnau, un de ces film que je ne connaissais pas, Tabou. Murnau et Polynésie, civilisation pour laquelle j'ai déjà montré ma fascination  ici ou  là, voilà le cocktail qui ne pouvez que rendre plus tentante que jamais l'expérience du film-concert.

  Evidemment, je ne vais parler que du film, car je ne crois pas que la BO de cette soirée, assurée par Amaury Cambuzat soit trouvable livrée avec (qu'il suffise de se représenter une sorte de post-rock planant agrémenté de beats éclectro, mélange curieux qui colle parfois merveilleusement au film, parfois moins bien).     

  Je n'avais vu jusque là qu'un film de Murnau, et il s'agissait sans surprise du canonique Nosferatu. Evidemment, l'ambiance de Tabou (film américain, et non allemand, nous sommes en 1931) est à cent lieue de la très gothique adaptation de Dracula. Murnau parle de la Polynésie, et il le fait avec toutes les idées préconçues (le mot n'a rien d'agressif dans ma bouche, quand on a une référence comme Gauguin en tête...) que peux en avoir un occidental du début du XXème siècle. La Polynésie, c'est le Paradis, les deux parties du film s'intitulant d'ailleurs Le Paradis et Le Paradis Perdu. 

  Pourquoi Paradis Perdu ? C'est la nuance qu'apporte l'intrigue, le tabou étant, comme on l'oublie à notre époque, un terme originaire de la culture polynésienne où il désigne les interdits sacrés. Et le tabou, ici, c'est celui qui frappe la belle Reri, jeune fille de Bora-Bora que le grand prêtre Hitu désigne comme prêtresse sacrée qui doit rester vierge. Or, une idylle commençait à s'ébaucher entre Reri et le jeune pêcheur de perle Matahi. Les deux jeunes gens décident finalement de braver les interdits et de s'enfuir ensemble, même si violer un tabou signifie la mort.

   L'intrigue en elle-même n'offre pas le principal ntérêt du film. On en reçoit ce qu'on en attend : une belle histoire d'amour tragique (je me suis surpris à avoir vraiment peur que le film se termine bien) dans un cadre enchanteur qui fait tant fantasmer les occidentaux. Au niveau de la rêverie exotique à la Gauguin, le pari est réussi, la réalisateur se plaisant manifestement beaucoup à filmer les scènes de vies quotidiennes, les cérémonies, les costumes, les danses...au point que le film pourrait sembler un peu longuet à un spectateurs moderne pour lequel la Polynésie n'a pas la même nouveauté qu'en 1931. La pensée m'a traversé plusieurs fois l'esprit que j'aurais trouvé certraisn passages longs s'rils n'avaient été accompagné de la BO live (qui me semblait en adéquation parfaite avec le sujet par un hasard très personnelles : l'ambiance post rock pouvait rappeler Sigur Ros, dont j'associe toujours dans mon esprit quelques morceaux de l'album ( ) (oui, c'est le titre) aux Immémoriaux de Segalen  lu à la même époque). Néanmoins, pour qui passe outre, Tabou fait honneur à ce sens du spectacle typique du Hollywood de l'époque.

  Mais côté mise en scène, on attend plus de Murnau qu'une bonne reconstitution historique. C'est là que j'en viens au choix le plus étonnant du film : celui-ci est si j'ose dire un film muet plus muet que les autres, pratiquement sans intertitres : les seuls intertitres sont les lettres écrites, la première décidant du tabou de Réri. On dirait donc bien que dans l'univers étrange de Murnau, le bonheur des Mers du Sud se passe de parole (les acteurs aussi, par conséquent, contraints à tout suggérer par le geste) tandis que la parole n'apparait que sous sa forme écrite importée d'occident et intervient toujours dans l'intrigue d'une façon sinistre. C'est le cas dès la lettre informant du tabu de Reri, certes, mais les écrits se multiplieront dans la seconde partie, le Paradis Perdu, celle qui relate l'exil des amants dans des îles plus "civilisées", et où les écrits deviendront cette fois de véritables acteurs malfaisant de l'intrigue, à cause du piège de la polyphonie des îles, et par conséquent surtout à cause des Chinois, car Murnau et son scénariste Edgar.G.Ulmer n'évite hélas pas les clichés de l'ancienne littérature océannienne selon lequels les Chinois ravagent toujours plus sûrement les Mers du Sud que les Blancs.

  A ce très audacieux choix de mise en scène, on peut toujours rajouter quelques scènes très belles, notamment celles où interviennent le rêve et où le génie propre du grand cinéaste expressionniste allemand s'exprime mieux que dans le spectacle exotique accessible à plus de caméras, ou bien la scène finale aussi sombre que suprenante, à la limite du surréalisme. Terminons avec les acteurs, où je me focaliserai sur une note de tendresse : le couple Reri/Matahi. Si le second m'a semblé un peu benêt, sans doute car il ne s'agit pas d'un acteur professionnel, et effacé derrière sa compagne qu'Anne Chevalier incarne avec toute la grâce étherée du cinéma expressionniste, il n'en résulte pas moins une réelle alchimie entre eux, qui fait s'attacher à leur couple fragile.